Cinquanta sfumature di grigio è l'adattamento cinematografico del bestseller diventato un fenomeno globale. La trilogia "Cinquanta sfumature" dalla sua uscita, è stata tradotta in cinquantuno lingue in tutto il mondo e ad oggi, ha venduto oltre 100 milioni di libri e e-book, più di 3.500.00 copie vendute solo in Italia, diventando da subito una delle serie più acquistate di sempre. Interpretano il ruolo dei protagonisti Christian Grey e Anastasia Steele, che sono diventati un'icona per milioni di lettori, Jamie Dornan e Dakota Johnson. Anastasia Steele è una giovane studentessa universitaria vicina alla laurea in Letteratura Inglese. Quando la sua amica Kate, direttrice del giornale universitario, le chiede di sostituirla per un'intervista a Christian Grey, ricco uomo d'affari, Anastasia accetta, nonostante gli impegni universitari. Arrivata alla Grey Enterprises, Anastasia nota un ambiente ricercato ed elegante dove tutte le dipendenti sono donne bionde di bella presenza. Entrando nell'ufficio di Grey, inciampa sulla porta di ingresso, cade ed è aiutata da un giovane uomo, elegante ed affascinante, con gli occhi di un grigio luminoso, di nome Christian Grey. L'intervista di Anastasia non si limita alle domande suggerite dall'amica, incuriosendo così Christian, colpito dalla sua bellezza diafana. I due cominciano a incontrarsi, ma Anastasia si rende conto che Christian è un uomo oscuro, il cui apparente splendore nasconde una persona piena di segreti, ma soprattutto che ha gusti erotici decisamente singolari e predilige pratiche sessuali insospettabili.

SOGGETTO: 50 sfumature di grigio è il piccante adattamento dell'omonimo bestseller di E.L. James.

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Lo dicevano le nostre nonne: il primo amore non si scorda mai. Vero, anzi verissimo, soprattutto se arriva a 21 anni e se, oltre ad essere bello e schifosamente ricco, possiede una stanza dei balocchi in cui una benda sugli occhi non significa giocare a mosca cieca.

La cosa che invece noi non dimenticheremo fino all'ultimo giorno della nostra vita è la noia inesorabile che ha accompagnato la lettura di “Cinquanta sfumature di grigio”, il best seller di E.L. James che ha trasformato il bondage e i frustini in un lessico familiare per desperate housewives e non solo.
La buona notizia è che, grazie a un'ottima conoscenza dei trucchi del mestiere e un rispetto sacro per una Bibbia del sadomaso da milioni e milioni di copie, Sam Taylor-Johnson e Kelly Marcel hanno fatto un film, se non vibrante, almeno formalmente impeccabile e felicemente non pruriginoso. A vantaggio soprattutto della prima ha giocato l'essenza stessa del linguaggio cinematografico, che è sguardo diretto o obliquo sulla realtà, successione di immagini percepite e restituite da un occhio spesso voyeuristico.

Evitando l'abusato escamotage della voce fuori campo, la regista e la sceneggiatrice hanno lasciato la parola alla macchina da presa, trasformando il verboso diario dei mille orgasmi diAnastasia Steele in una rappresentazione oggettiva di una relazione molto complicata.
Se fosse una favola, il film non sarebbe "Cappuccetto Rosso" – con il Lupo Cattivo travestito non da nonna, ma da cacciatore. Piuttosto somiglierebbe, pur con le dovute differenze di stile e design, a "La bella e la bestia". L'attenzione, nel nostro caso, è più per il “mostro”,  fortunatamente privato dell'antipatica ossessione del controllo che nel romanzo lo rendeva insopportabile. Tramutato in un personaggio cinematografico, Mr. Cinquanta sfumature di perversione trova insomma  giustizia e molta più umanità, anche se a volte precipita comunque nel cliché, in particolare quando il sentimento prende il sopravvento sul sesso.
Lo stesso accade a Miss Steele, che perde credibilità nei momenti in cui un'intelligente ironia cede il passo ai pianti da scolaretta.

Abbiamo parlato di ironia: sembra strano, ma nel film c'è e ha un potere salvifico, perché proprio la “decostruzione” dell'aura che avvolge la liaison fra Christian e Ana rende la seconda più emancipata e fa suonare meno ridicole frasi di culto come “Io non faccio l'amore, io fotto... senza pietà”. A una simile impressione di verità – o se non altro di verosimiglianza – contribuiscono le buone interpretazioni di Dakota Johnson e soprattutto di Jamie Dornan, bravo a ritrarre un'anima guasta che oscilla fra spavalderia e malinconia.

Torniamo alla confezione. Non c'è nulla di casuale o di sbagliato nella mise en scene diCinquanta sfumature di grigio. La scenografia è curata e perfettamente in accordo con il mondo interiore dei personaggi, il montaggio è raffinato, e la musica – composta da Danny Elfman – arriva sempre nel momento giusto. Eppure, la freddezza di Mr. Grey contagia la sensualità del film. Se ciò dipenda da una fotografia esageratamente patinata, dalla scelta di non mostrare le parti intime (con la mdp che si allontana dai “punti critici” proprio all'ultimo momento), da un product placement troppo insistito o dall'uso del ralenti nelle scene più trasgressive non sappiamo dirlo. L'erotismo però è un'altra cosa, al cinema come nella vita, e lo si può ottenere anche mostrando molto di meno o semplicemente indugiando su piccoli difetti fisici. Qui mancano completamente, insieme al sudore, per esempio, e alla complicità fra amanti.

Alla fine del film, comunque, la curiosità resta e, per quanto ci riguarda, a placarla non saranno i due seguiti scritti del manuale di accoppiamento che abbiamo letto nel 2011, ma le loro versioni cinematografiche di recente annunciate.

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Diego (Luca Argentero), Fausto (Edoardo Leo) e Claudio (Stefano Fresi) sono tre quarantenni insoddisfatti e in fuga dalla città e dalle proprie vite, che da perfetti sconosciuti si ritrovano uniti nell'impresa di aprire un agriturismo. A loro si unirà Sergio (Claudio Amendola), un cinquantenne invasato e fuori tempo massimo, ed Elisa (Anna Foglietta), una giovane donna incinta decisamente fuori di testa. Ad ostacolare il loro sogno arriverà Vito (Carlo Buccirosso), un curioso camorrista venuto a chiedere il pizzo alla guida di una vecchia Giulia 1300. Questa minaccia li costringerà a ribellarsi ad un sopruso in maniera rocambolesca e lo faranno dando vita a un'avventura imprevista, sconclusionata e tragicomica, a una resistenza disperata ...quella che tutti noi vorremmo fare se ne avessimo il coraggio.

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C'è un'Italia che non ne può davvero più. E' quella dei quarantenni e oltre, quella dei “privilegiati” che hanno un lavoro in un'epoca storica in cui questo non è più un diritto collettivo, ma che si sentono soffocare e vorrebbero cambiar vita. Sono in genere di sesso maschile, disorientati, falliti o disillusi nella loro vita di relazione, che mantengono la capacità di sognare, sia pure sogni piccolo-borghesi, in cui la campagna rappresenta il massimo della wilderness. Tre di questi individui - un coatto che vende orologi patacca in tv, un venditore di automobili a cui è appena morto il padre e un uomo che soffre di alopecia e che ha portato al fallimento il negozio di alimentari centenario della sua famiglia - sono i protagonisti di Noi e la Giulia, terza regia del poliedrico Edoardo Leo, da un romanzo di Fabio Bartolomei.

Ai tre perfetti sconosciuti che si mettono in società per rilevare una masseria in cui dare vita a un agriturismo, si uniscono un cinquantenne veterocomunista, una ragazza reduce da Amsterdam e incinta di ignoto e un bizzarro camorrista che si presenta dai nostri a reclamare il pizzo a bordo di una Giulia 1300 verde e viene coinvolto in un anomalo rapporto coi suoi impulsivi sequestratori.

Noi e la Giulia - sulla cui trama non vi sveliamo altro - è un inno alla resistenza quotidiana, un invito a non deporre mai “le armi”, fatto col sorriso sulle labbra e sotto le spoglie di una commedia corale che guarda ai capolavori di Ettore Scola e al cinema del nostro glorioso passato. In un paese dove c'è molto bisogno di ridere e dove con poche lodevoli eccezioni la produzione cinematografica è in prevalenza comica (o presunta tale), fa piacere trovare un film che tenta una via diversa alla risata e dove gli “enni” nostrani non sono soltanto dei perenni immaturi con le donne ma gente che, almeno, prova a fare altro della propria vita.

Noi e la Giulia racconta quello che siamo diventati: degli eterni brontoloni pieni di diffidenza e pregiudizi, esagerando i caratteri come consuetudine della commedia all'italiana, senza pretese di darci lezioni ma insinuando tra una risata e l'altra la necessità del dubbio. E' una commedia divertente e gradevole grazie soprattutto all'ottimo cast: Leo tiene per sé il personaggio diFausto, epitome del coatto romano razzista perché ignorante ma in fondo recuperabile, Luca Argentero è l'occhialuto e pacato Diego – che è anche, come nel romanzo, la voce narrante di raccordo -, Anna Foglietta una toscanissima Elisa col pancione (una realtà che ha modificato la sceneggiatura), Stefano Fresi è Claudio, il buffo nevrotico del gruppo, Claudio Amendolaincarna con gran divertimento il personaggio irresistibile dell'irriducibile compagno barbutoSergio, mentre Carlo Buccirosso è impeccabile nei vari cambiamenti di registro richiesti dal camorrista Vito.

A voler essere proprio pignoli, forse avrebbe giovato al film una durata un po' inferiore alle quasi due ore, tempo in cui il ritmo efficacemente teso della narrazione rischia di stemperarsi prima del finale. Molto curato tecnicamente, dalla scelta del look dei personaggi alla fotografia e alle musiche, Noi è la Giulia è quello che gli anglosassoni definirebbero “a labour of love”, in cui la palese passione di tutti i partecipanti  finisce per trasmettersi anche a chi lo guarda.

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I desideri dell'uomo muovono il mondo. E ogni giorno, per riuscire a ottenere l'oggetto del nostro desiderio, modifichiamo noi stessi e la nostra realtà. O perlomeno, cerchiamo di farlo. Secondo Giovanni Canton, il carismatico e funambolico trainer motivazionale protagonista di questa storia, ci sono delle tecniche precise che possono aiutarci a raggiungere quello che desideriamo, sia esso il piacere, il lusso, il potere, il successo o l'amore. Considerato dai suoi tanti fan una sorta di profeta, e da molti altri un cialtrone che si approfitta delle debolezze altrui, Canton decide di dimostrare la veridicità delle sue teorie organizzando un concorso per la selezione di tre fortunate persone che verranno da lui portate in sei mesi al raggiungimento dei loro più sfrenati desideri. Ma l'intenso rapporto che si stabilirà fra il life coach e il terzetto prescelto produrrà effetti inaspettati nella vita di tutti loro, soprattutto in quella di Canton.

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Sono passati otto lunghi anni dal giorno in cui Silvio Muccino, fratello dell'allora più noto Gabriele, si è lanciato nella mirabolante e impegnativa avventura di fare il regista e di girare un film fuori dal coro in cui ricoprire anche il ruolo di attore protagonista. Già all'epoca si intuiva nel ragazzino con la zeppola di Come te nessuno mai il desiderio di staccarsi prepotentemente dalla rappresentazione vorticosa, impietosa ma a suo modo rassicurante di ansie e problematiche di personaggi borghesi irrisolti e autoreferenziali. Si percepiva soprattutto, seppure all'interno di una narrazione a volte non pienamente a fuoco, un amore sincero per l'umanità raccontata e un'autentica dolcezza di fondo.

Quest'ultima caratteristica Muccino jr. non l'ha mai persa, trasformandola – ne Le leggi del desiderio – nel tessuto connettivo di personaggi quieti, interiormente ricchi e accomunati non dall'estrazione sociale, ma da una remissività che li inchioda fuori dalla porta dell'autoaffermazione.
Matilde Silvestri, Ernesto Colapicchioni e Luciana Marino rappresentano tutti e tre la doppia anima dell'opera terza del regista romano, un film che, prima di diventare commedia romantica, ci parla di terrore di annullarsi per l'altro, di ricerca spasmodica di visibilità e di un mondo inesorabilmente diviso in vincenti e perdenti.

Già, dopo gli States sembra che sia toccata in sorte anche a noi l'abitudine di confondere il reddito con la dignità e la tendenza ad affidarci ai testosteronici consigli di motivatori professionali, altrimenti detti "life coach".
Insomma, se nel '99 il Frank T.J. Mackey di Magnolia suonava familiare al pubblico americano, oggi per noi è spaventosamente attuale il guru dell'autostima Giovanni Canton, che Silvio sta bene attento a non portare mai all'esagerazione, complice lo studio attento di modelli in carne ed ossa, non ultimo l'Anthony Robbins tenuto in grande considerazionw da Bill Clinton e Donald Trump.
La sua folle energia contagia la prima mezz'ora di film, che diventa spettacolare, vibrante, inondata di luce, forse eccessivamente forsennata e adrenalinica, ma comunque funzionale al rallentamento – o meglio il raccoglimento – dell'ora e un quarto successiva, nella quale lo show scolora nella malinconia.
E allora il ritmo rallenta, la ribalta si contrappone ai compromessi della vita e delle sue stagioni, e si fa strada la domanda che sottende l'intero film: dove finisce la maschera e dove comincia la verità?

Non è la prima volta che qualcuno si interroga sulla legittimità delle continue rappresentazioni a cui l'essere umano ricorre per piacersi e piacere, e soprattutto Le leggi del desiderio non è il primo film in cui uno "sfigato" faticosamente rivoluziona la propia esistenza, ma nella Muccino-maniera di affrontare l'argomento c'è una grande onestà intellettuale, c'è un regista che si mette in gioco e che, assecondando la propria parte femminile, non si vergogna a definirsi l'ultimo romantico. Il ragazzino è cresciuto? Certo e ci prova gusto a buttare giù elenchi di inquadrature e a sperimentare una recitazione più sobria, più modulata.

Il resto lo fanno Nicole Grimaudo, Carla Signoris e soprattutto Maurizio Mattioli, per cui finzione e realtà hanno tristemente coinciso. E' il suo sguardo dolente il nostro ricordo più vivo de Le leggi del desiderio, film dalla sceneggiatura non sempre di ferro ma in ogni modo felicemente non riconducibile alle solite categorie del nostro cinema che sceglie il lieto fine. 

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In Spongebob Fuori dall'Acqua, per la prima volta, SpongeBob, la spugna di mare più amata al mondo, salirà in superficie per intraprendere l'avventura più "supereroica" di sempre. La vita a Bikini Bottom non potrebbe essere migliore per l'eterno ottimista SpongeBob ed i suoi amici: la fedele stella marina Patrick, il sardonico Squiddi, la scoiattola scienziata Sandy ed il crostaceo capitalista, Mr. Krabs. Quando la ricetta segreta del Krabby Patty viene rubata, gli eterni nemici, SpongeBob e Plankton, dovranno unire le proprie forze ed affrontare un viaggio attraverso lo spazio ed il tempo per poter sfruttare i loro superpoteri ed affrontare il diabolico pirata Barba Burger (Antonio Banderas), che ha i propri piani per le squisite prelibatezze. Il film è basato sulla serie Nickelodeon con il più alto successo di ascolti nella storia del network ed un fenomeno internazionale che continua da oltre un decennio.

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• DATA USCITA: 26 febbraio 2015
• GENERE: Animazione, Avventura, Commedia, Family
• ANNO: 2015
• REGIA: Paul Tibbitt
• SCENEGGIATURA: Jonathan Aibel, Glenn Berger
• ATTORI: Antonio Banderas, Tom Kenny, Clancy Brown

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Il capitan Barba Burger è sulle tracce della mistica ricetta dei Krabby Patty, gli hamburger che SpongeBob con amore prepara, lavorando come cuoco. Un complicato stratagemma che coinvolge un libro magico consente al cattivone di sottrarla, col risultato che l'intera Bikini Bottom, la comunità sottomarina di SpongeBob, dà proprio di matto per astinenza. L'eroica quanto candida spugna gialla unirà le forze addirittura con l'acerrimo nemico Plankton, per salvare la ricetta e i suoi amici.

Esaltato, gioioso, infantile, imprevedibile, SpongeBob rimane in un certo senso uno dei personaggi-simbolo del cartoon contemporaneo: grottesco in grafica e tempi di recitazione, implausibile e impossibile, metalinguistico, paradossale, un fiore all'occhiello della scuderia Nickelodeon. La serie SpongeBob Squarepants è partita nel 1999, ideata da Stephen Hillenburg, e non è ancora terminata, segno di un successo e di un affetto da parte del pubblico (non solo minorenne), che ormai travalica la risata pura. SpongeBob è un mito.

SpongeBob – Fuori dall'acqua, che arriva dopo la prima sortita su grande schermo con SpongeBob – Il film (2004, diretto dallo stesso Hillenburg), è più ambizioso di quest'ultimo ed è diretto da Paul Tibbitt, veterano della serie, che ne ha scritto il soggetto con Hillenburg. Se infatti il lungo precedente era un episodio stirato sulla durata di un lungo, SpongeBob – Fuori dall'acqua è un lavoro acrobatico che frulla suggestioni psichedeliche, animazione 2D a mano libera, computer grafica e riprese in live-action, con un villain interpretato da Antonio Banderas.

Per i primi due terzi, il film è obiettivamente geniale. I dialoghi e le situazioni, com'è prassi, vivono nella costante contraddizione delle loro premesse, una tecnica che, combinata con le esilaranti esagerate smorfie dei personaggi, spinge sul serio a reggersi la pancia. Non c'è solo scemenza cercata a bella posta (tutt'altro che un difetto, se la ricerca è tanto meticolosa!), ma anche divagazioni visionarie da antologia, tra cui una che profuma del compianto Douglas Adams.

Deliziati da una fantasia retta da un controllo linguistico così raffinato, si rimane purtroppo delusi quando i nostri eroi sbarcano nell'ultimo terzo del film nel mondo reale, e non per la metamorfosi dall'animazione disegnata alla CGI (perfetta, nulla da eccepire). Le riprese dal vero e l'interazione con Banderas diluiscono infatti in tempi più dilatati e interazioni goffe lo stile sfrenato del franchise, garantito solo da un certo tipo di puro cartoon. Il tilt che fino a quel momento abbiamo gustato si instrada in un film comico che all'improvviso sembra rivolto solo ai bambini, in una stanca parodia/ammiccamento al cinecomic.

C'è da dire tuttavia che i bambini in sala sembrano apprezzare molto di più la semplicità slapstick di quest'ultima sezione, quindi la nostra potrebbe essere la classica delusione da appassionati esigenti: chi è al timone del film vuole forse semplicemente accontentare davvero tutto il pubblico. Tenuto in conto questo limite, sarebbe un peccato perdere SpongeBob – Fuori dall'acqua.

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Gestire un branco di russi inferociti, i servizi segreti inglesi, una moglie dalle gambe chilometriche ed un terrorista internazionale non sarà cosa facile. Ma Charlie Mortdecai ci riuscirà. In giro per il mondo, armato solo del suo fascino e della sua bellezza, Charlie intraprenderà una corsa contro il tempo per riuscire a recuperare un dipinto rubato, che si dice contenga il codice per accedere ad un conto bancario in cui era stato depositato l'oro dei Nazisti. Diretto da David Koepp, Mortdecai vede protagonista Johnny Depp nel ruolo brillante e carismatico di un ricco mercante d’arte, il Signor Charlie Mortdecai. Innamorato della sua incantevole moglie, interpretata da Gwyneth Paltrow, ma anche del lusso più sfrenato, del brandy e dei suoi baffi, Charlie Mortdecai non si fermerà davanti a nulla pur di ottenere quello che vuole.

SOGGETTO: Mortdecai si ispira al libro "Don’t point that thing at me" di Kyril Bonfiglioli, primo volume di una trilogia pubblicata da Edizioni Piemme, in uscita in Italia dal 10 febbraio 2015 con il titolo Mortdecai.

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Prima di Mortdecai – il film – c'era un bizzarro personaggio autentico, figlio di un italosloveno e di un'inglese, dal nome improbabile ma vero di Kyril Bonfiglioli: mercante d'arte, direttore della rivista Science Fantasy, innamorato delle donne e della bottiglia (un amore che lo portò alla morte a 68 anni) e autore tra il 1973 e il 1978 di una trilogia di romanzi (più un quarto postumo nel 1999 completato da Craig Brown) di spionaggio/comici/thriller, incentrati sul personaggio di Charlie Mortdecai.

Questo antieroe very British come James Bond, nobile e possidente  con problemi di liquidità, mercante d'arte all'occorrenza ladro, e il suo rozzo tirapiedi Jock, sono un po'  lo specchio oscuro dei noti personaggi creati da P. G. Wodehouse, Woster col suo irreprensibile maggiordomo Jeeves.

Col loro mix di strano e forbito linguaggio, citazioni letterarie, umorismo e violenza hard-boiled, i libri di Bonfiglioli diventarono un successo in tutto il mondo prima di essere più o meno dimenticati da tutti, con l'eccezione di alcune note personalità, come Stephen Fry e Hugh Laurie (che lo ricorda nel suo romanzo "Il venditore di armi".

Charlie Mortdecai arriva oggi sul grande schermo grazie agli americani. A portarcelo è Johnny Depp, anche in veste di produttore, con lo sceneggiatore Eric Aronson e il regista David Koepp, che aveva già diretto l'attore in Secret Window. Ne viene fuori un ibrido tra romanzi (la trama di base è tratta dal primo, mentre la storia del baffo appartiene all’ultimo, così come la presenza femminile), ma anche tra culture e idee di cinema, in un guazzabuglio bizzarro ma non privo di pregi.

Non conosciamo i motivi per cui Depp sia caduto in disgrazia in America, ma poco importa se sia per le sue apparizioni ubriaco sul red carpet o l’abbandono della compagna francese e il ritorno nella peccaminosa Los Angeles (con tanto di matrimonio con un’attrice bisex che ha la metà dei suoi anni). Fatto sta che in questo caso viene rispettato il classico assioma hollywoodiano secondo il quale un attore o regista vale quanto l’incasso dei suoi ultimi due film al box office, dopo di che viene considerato “veleno al botteghino”. A noi europei, di queste considerazioni, ben poco interessa. L’attore ci era piaciuto e ci aveva divertito in The Lone Ranger e mentre aspettiamo di vederlo in Into The Woods e Black Mass continua a piacerci anche in questo ruolo, in cui esagera come  richiesto dal personaggio, adattandosi benissimo al diverso accento e al linguaggio di cui dicevamo prima (effetto che ovviamente si perde nella versione doppiata).

La sua predilezione per i personaggi eccentrici è nota a tutti, e Mortdecai non fa eccezione. Si vede che lo interpreta con passione e divertimento, così come Paul Bettany, forse il più in parte nel ruolo di Jock. Se non tutto fila liscio, in un film che ha comunque dei momenti divertenti, è che i tanti elementi in gioco non sempre si sposano alla perfezione. Aronson fa di Mortdecai un misto tra l’ispettore Clouseau e Poirot tenendo anche conto della lezione di Lemony Snicket, inserisce il personaggio di Gwyneth Paltrow, toglie sgradevolezza all’agente Martland di Ewan McGregor e trasforma in figlia la moglie ninfomane del miliardario americano (Jeff Goldblum, ultimamente richiestissimo per ruoli cammeo).

Resta comunque, contro tutto e tutti, la performance quasi slapstick di un attore tanto amato che arricchisce di un altro esotico personaggio la galleria dei suoi oltre 30 anni di carriera, un interprete che non si è mai fossilizzato sulla propria immagine di bello, ma ha sempre dimostrato anticonformismo e voglia di prendersi in giro.

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